Belvedere

Donau, Stromkilometer 1943,9

Mon, 01 Dec 2025 14:41:04 +0100

In der Dämmerung eines Augustabends wird am Ufer der Donau eine Reihe von Objekten vorgeführt. Die Choreografin und Tänzerin Andrea Gunnlaugsdóttir hält und bewegt die abstrakten weißen Skulpturen vor der Kamera, um das letzte Licht einzufangen, das sich kurz nach Sonnenuntergang im Himmel und im Wasser spiegelt. Die Objekte sind dreidimensionale, gebogene und gefaltete Projektionsflächen, die das Licht reflektieren oder gelegentlich den Schatten der Performerin zeigen. Die Weiden am Fluss bilden den Hintergrund.

Der Film ist der dritte Teil einer Trilogie, die sich auf unterschiedliche Weise mit Licht, Wahrnehmung, Abstraktion, Architektur und Landschaft auseinandersetzt - die ersten beiden Arbeiten dieser Reihe sind Schnitt A-A’, 2012 und The Achromatic Island, 2010.

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At dusk on an August evening a series of objects are presented on the banks of the Danube. Choreographer and dancer Andrea Gunnlaugsdóttir holds and moves the abstract white sculptures in front of the camera to capture the last light reflected in the sky and water shortly after sunset. The objects are three-dimensional, curved and folded projection surfaces that reflect the light or occasionally show the performer's shadow. The willows by the river form the background.

The film is the third part of a trilogy that deals in different ways with light, perception, abstraction, architecture and landscape - the first two works in this series are Schnitt A-A', 2012, and The Achromatic Island, 2010.

Schnitt A-A'

Fri, 28 Nov 2025 15:21:12 +0100

Die Hauptrolle in Schnitt A-A’ spielt die Architektur des Open-Air-Kinos in der Slowakischen Nationalgalerie, das in den 1960er Jahren entworfen wurde. Ein architektonischer Projektor beleuchtet die gemauerte Filmwand in der Mitte des Raumes. Aber es gibt weder einen Film noch ein Publikum. Die zahlreichen und vielfältigen Perspektiven, Oberflächen und Materialien im Raum stehen im Fokus der Kamera.
Der Film beginnt außerhalb der perforierten Backsteinmauer, die das Kino vom öffentlichen Raum trennt. Die Mauer gewährt Einblicke in den Raum, trennt ihn von der Stadt und macht den Projektionsraum mehrdeutig. Der Raum wird sichtbar, bleibt aber unzugänglich. Typisch für seine Umgebung und seine Zeit, erinnert er auch an eine andere Klimazone, eine andere Moderne an einem weit entfernten Ort.
Im Inneren geht die Kamera Schritt für Schritt mehr auf die Details des Raumes und die aufwendigen Oberflächen ein und offenbart den performativen und grafischen Charakter der Architektur.

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The leading role in Schnitt A-A’ is played by the architecture of the open-air cinema in the Slovak National Gallery, conceived in the 1960s. An architectural projector illuminates the brick-built film screen in the middle of the space. But there is no film and no audience. The numerous and varied perspectives, surfaces and materials in the space are the focus of the camera.
The film begins outside the perforated brick wall, which separates the cinema from public space. The wall affords glimpses into the space, divides it from the city and renders the projection space ambiguous. The space becomes visible, yet remains inaccessible. Typical for its area and its time, it reminds one also of a different climatic zone, a different modern age in a faraway place.
Once inside the camera step by step goes more into the details of the space and the elaborate surfaces, revealing the performative and graphic character of the architecture.

We become Austrian

Wed, 03 Sep 2025 14:01:44 +0200

"We become Austrian" zeigt ein Fest im Wiener Rathaus für alle, die die österreichische Staatsbürgerschaft erhalten haben. Die Künstlerin war damals eine der neuen Österreicher*innen.

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"We become Austrian" depicts a celebration at Vienna City Hall for everyone who has received Austrian citizenship. The artist was one of the new Austrians at the time.

(Source: https://www.songuelboyraz.com/we-become-austrian/video-installations/)

Schuhplattler

Wed, 03 Sep 2025 13:40:38 +0200

Songül Boyraz untersucht am Beispiel der Tradition des “Schuhplattelns” in einem kleinen oberösterreichischen Ort, rituelle Handlungen, die der Bestätigung eines kollektiven Gemeinschaftsgefühls dienen und dabei gleichzeitig einen Auschlußmechanismus generieren. Heimat bewegt sich in einem dialektischen Spannungsverhältnis: Einerseits signalisiert sie Zugehörigkeit zu einer Gruppe andererseits wird das Fremde ausgeschlossen. Aus der Perspektive einer Ethnologin dokumentiert Boyraz-Höll in einem Videomitschnitt, der in Zeitlupe läuft, das Geschehen. Die Kamera der ortsfremden Künstlerin befindet sich - im Widerspruch zu dem intendierten Ausschlußmechanismus des Rituals - in der Mitte der Tanzenden, die sich kreisförmig um sie herum bewegen. Diese Kreisbewegung, die an sich schon ein “innen” und ein “außen” konstruiert, wird durch die Präsentation des Videos, das ebenfalls kreisförmig projiziert wird, verdoppelt. Der Betrachter findet sich umringt von den Menschen, deren Rituale und Traditionen er nicht kennt, in einer klaustrophobischen Situation, die durch den Sound, der die Stampfgeräusche hervorhebt, nochmals gesteigert wird.

Text: Sönke Gau (Camera Austria 75/2001)

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Using the traditional folk dance „Schuhplatteln“ in a small village in Upper Austria, Songül Boyraz investigates rites which are used to confirm collective feelings of solidarity although at the same time they generate a mechanism of exclusion. A sense of belonging to a native place is used to oscillate in a dialectical field of tension. On the one hand she shows a sense of belonging to a group, on the other hand she makes clear that anything foreign will be excluded.

From an ethnologist’s perspective Boyraz demonstrates what happens in a slow motion videorecording. The camera of the foreign artist is situated – as if in contrast to the mechanism of exclusion which the ritual generates – in the midst of the dancers who move around her in a circle. This circular movement, generating in itself an „inside“ and an “outside“, is doubled by the presentation of the video which is also projected in a circular form. The spectator finds himself surrounded by people whose rituals and traditions remain unknown to him, as if in a claustrophobic situation which is even heightened by the sound of the stamping feet of the dancers.

Source: https://www.songuelboyraz.com/schuhplattler/video-installations

Untitled (Judith)

Mon, 18 Aug 2025 16:21:48 +0200

Untitled (Judith) thematisiert den menschlichen Körper und seine visuelle Repräsentation im Raum. Gefühle wie Angst, Klaustrophobie, Sprachlosigkeit und Instabilität entstehen und spiegeln das Erleben politischer Machtstrukturen wider.

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Untitled (Judith) explores the human body and its visual representation in space. Feelings such as fear, claustrophobia, speechlessness, and instability arise and reflect the experience of political power structures.

Bliss

Fri, 20 Jun 2025 16:08:52 +0200

The video piece Bliss explores minimalist aesthetics through generative means of production. The foundation of the work lies in one-dimensional cellular automata – a mathematically strictly determined universe where each row of pixels derives its appearance by examining the preceding row. However, both the initial state of the system and the rules themselves are arbitrary, providing room for artistic intervention.

Y-Division [ ]]

Fri, 20 Jun 2025 16:02:24 +0200

Musik: Antti Tolvi

Y-Division spielt Wiederholungen eines bestimmten melodischen Motivs in variierenden Geschwindigkeiten. Daraus entsteht eine Komposition, die harmonisch einfach und gleichzeitig rhythmisch komplex ist. Der Rhythmus der Animation folgt dem Takt der Melodie.

Christmas Piece

Fri, 20 Jun 2025 15:56:02 +0200

Das Video zeigt einen Baum, der sich angetrieben von einem Verbrennungsmotor um die eigene Achse dreht. Die Drehung wird immer schneller, bis der Motor zu rauchen beginnt. Zwei Männer versuchen, in die Handlung einzugreifen, doch der Baum scheint zu fliegen.

Footnote #03: Gold & Clouds

Fri, 20 Jun 2025 15:49:39 +0200

Die Arbeit reflektiert in meditativer Weise über das Objekt "Flugzeug". Anfangs stand das Flugzeug als Symbol für technischen Fortschritt und verkörperte die neuesten Entwicklungsstufen militärischer Technologie. Später wurde es zum Inbegriff des Jetset-Lifestyles, danach zum Instrument terroristischer Aktivitäten und schließlich zum Sinnbild für die Ausbeutung fossiler Energieträger.

Footnote #01: Sipilänmäki

Fri, 20 Jun 2025 15:32:36 +0200

Musik: Antti Tolvi

Das Video zeigt eine Ansammlung von hell erleuchteten Gewächshäusern, umhüllt von Dunkelheit. Die Filmbilder scheinen stillzustehen, nur gelegentlich sorgt ein Luftzug für Bewegung in der Vegetation.

Zähler

Fri, 09 May 2025 12:44:25 +0200

Kartoffeln werden nach einem bestimmten System auf eine Holzfäche gelegt und angeordnet. Bei einem Teil der Kartoffeln ist die Schale lose und wird vom Tisch geschnipst. Bei jeder zehnten Kartoffel fällt ein Kieselstein begleitet von einem entsprechenden Geräusch (Platsch) ins Wasser und taucht kurz darauf lautlos dupliziert in dem weißen Gefäß auf.

Vektor

Fri, 09 May 2025 12:32:13 +0200

Ein Klumpen Knetmasse liegt am linken Ende einer Holzlatte. Ein schwarzer Arm, dessen Hand die Knetmasse umschließt, liegt ebenfalls auf der Holzlatte auf. Die Knetmasse in die Länge knetend bewegt sich der Arm nach rechts entlang der Holzlatte bis er den Bildausschnitt verläßt.

Lunte

Fri, 09 May 2025 12:20:27 +0200

Für die Aufrechterhaltung eines konsistenten Weltbildes ist die Annahme kontinuierlicher Ursache-Wirkungsketten eine entscheidende Vorraussetzung. Die Arbeit Lunte bezieht eine skeptische Position gegenüber Erzählung und Konstruktion von Geschichten und Geschichte und stellt deren Realitätsgehalt in Frage. Kleine flimmernde Partikel schwirren hektisch umher, teilen und vermehren sich und verschwinden wieder. Sie setzen den Verlauf und die vielfältigen Ver-zweigungen einzelner wandernder Brandherde einer ungeordnet liegenden Zündschnur ins Bild. Bedingt durch die starke Rauchentwicklung sind die Brandherde allerdings teilweise nicht sichtbar, so dass ihr Verlauf rekonstruiert werden mußte. Dieser Versuch der Wiederherstellung ist notgedrungen spekulativer wenn nicht fiktiver Natur: Der einzige Hinweis, die ursprüngliche Lage der Zündschnur, ist nicht stabil, sondern verändert sich im Verlauf des Abbrennens durch die Rückstossenergie der Brandherde.

Ableger

Fri, 09 May 2025 11:17:26 +0200

Zu sehen ist eine Schnur, die im Wind schaukelt und an deren Ende ein flatterndes Fädchen fixiert ist. Obwohl sie aneinander gekoppelt sind, sind ihre Bewegungen das Resultat unterschiedlicher Windverhältnisse. Schnur und Fädchen repräsentieren somit verschiedene Raum- und Zeitabschnitte.
Ihr Aufeinandertreffen befragt eine gewohnte Wahrnehmungserfahrung: Der Charakter einer Bewegung wird in Relation zu seiner Umgebung definiert. Der Eindruck des Lebendigen, Wesenhaften entsteht, wenn sich ein Objekt autonom und unabhängig von seiner Umgebung bewegt. Die Verknüpfung der zwei passiven Bewegungen thematisiert genau den kritischen Punkt an dem Belebtes und Nicht-Belebtes in der Wahrnehmung voneinander geschieden werden. Es gibt Tiere die nur Eigenbewegtes als Nahrung wahrnehmen.

Textile & Wood

Mon, 07 Apr 2025 14:04:03 +0200

Zeitliche und räumliche Strukturen prägen Körper und Wahrnehmung. Wie werden diese in der Erinnerung sortiert? Wie manifestieren sie sich in der Folge im Handeln und Gestalten? Diesen Themen versucht Stefan Lux (*1964, Münster; lebt und arbeitet in Wien) nachzugehen.
In dem Video “Textile & Wood“ ist die Künstlerin Elisabeth Kihlström beim Weben zu sehen. Die Betrachter*innen können ihre künstlerische Praxis mit den verschiedenen Arbeitsschritten von der Planung über die Vorbereitung bis hin zum eigentlichen Webvorgang verfolgen. Man wird Zeuge des handwerklichen Vorgangs als Synergie zwischen Intention und Körperbewegung des Menschen einerseits und seinen Werkzeugen andererseits. Zugleich ist Textile & Wood eine Studie über das Erscheinungsbild von Zeit, die sich über die gleichmäßigen rhythmischen Bewegungen der Künstlerin in das textile Gewebe einschreibt. Zeit präsentiert sich im strukturierten Gewebe als homogenes Kontinuum, im Verteilungsmuster der Astlöcher und Holzmaserung auf Boden und Webstuhl als ungleichmäßige Struktur.

Stefan Lux, 2023

Transit

Mon, 07 Apr 2025 13:44:23 +0200

Akkordeon & Kunstwerke: Ulrike Johannsen

Die bildende Künstlerin Ulrike Johannsen singt in Ihrem Atelier umgeben von ihren Skulpturen das Lied „Wenn ich mir was wünschen dürfte“ von Fritz Hollaender und begleitet sich dazu auf ihrem Akkordeon.

Der Liedtext beschreibt den Menschen als in die Welt geworfenes, ortlos im Transit befindliches Wesen, nachts einsam und melancholisch unterwegs, sehnsüchtig und ausgeschlossen aus dem sozialen Raum des Privaten. Transit thematisiert anknüpfend an dieses Lied das räumliche Konstrukt von innen und außen, privatem und öffentlichem Raum.

„…Man hat uns nicht gefragt, als wir noch kein Gesicht Ob wir leben wollten oder lieber nicht…“

„…Ich schaue in die Stuben durch Tür und Fensterglas Und ich warte und ich warte auf etwas…“

In nächtlicher Dunkelheit nähert sich die Kamera dem Atelier von der Straße heran. Dabei wechselt sie zwischen innen und außen, filmt alternierend von außen und innen durch das Fensterglas. Das Gelb der Innenbeleuchtung kontrastiert mit dem Blau der Nacht. Die Musik taucht aus den Geräuschen der Straße auf, die Kamera verweilt im Atelierraum, zeigt die auf dem Akkordeon spielenden Hände und tanzt zur Musik. Nach dieser Begegnung mit der musizierenden Künstlerin wird die Musik wieder leiser, die Kamera ist zurück auf der Straße, Menschen passieren einen Ford, Modell Transit. Der kurze Besuch im Atelier ist vorüber. Zurück auf der nächtlichen Straße stellt sich die Frage: War man wirklich im Atelier, oder wurde eine Sehnsucht zum Bild. Die Musik ist nicht mehr zu hören.

Das Lied entstand 1931 und thematisiert unter anderem die schon lange von Rassismus und Verfolgung geprägte politische Situation in Deutschland. „Wenn ich mir was wünschen dürfte“ transportiert in den Textzeilen sowie der Melodie das Lebensgefühl der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts. Die Situation des ortlosen im transitorischen befindlichen Individuums ist leider nach wie vor und in zunehmendem Maße aktuell.

Haus und Straße des Drehortes sind Architekturen des „roten Wien“ im 15. Gemeindebezirk und stammen aus derselben Zeit wie das Lied. Damals entstanden hier von der sozialdemokratischen Stadtregierung Wiens in Auftrag gegebene Architektur-Utopien. Beispielhaft der „Heimhof“, der eine Gemeinschaftsküche besaß, in der Angestellte für die Bewohnerinnen kochten, um berufstätigen Frauen die Hausarbeit zu erleichtern. Das Projekt wurde von den Nationalsozialisten funktionell aufgelöst und die sozialdemokratischen und jüdischen Bewohner*innen delogiert.

Das Video Transit entstand in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ulrike Johannsen als Teil einer Rauminstallation und Ausstellung. Die von Ulrike Johannsen entwickelten Elemente und Skulpturen waren gleichzeitig Teile des Videosettings und der Ausstellung. Ausstellungsraum und Drehort waren identisch.

Stefan Lux, 2022

Sounds of Paper

Mon, 07 Apr 2025 13:30:48 +0200

Das Video sounds of paper entstand im Salon für Kunstbuch von Bernhard Cella. Das Video fokussiert auf die Form der Präsentation, die großflächig die Buchcover statt der Buchrücken sichtbar macht, und so eine Art Informationslandschaft entstehen lässt. Diese Landschaft wird filmisch abgetastet. Gleichzeitig werden Hände in Nahaufnahme beim Vergleichen und Ertasten der Qualitäten verschiedener Drucksorten gezeigt. Im Fokus steht die haptische Qualität des Materials, die Arbeit mit den Händen, in denen Körper und Geist zusammenwirken. Die dabei entstehenden Raschelgeräusche erzeugen die Audiospur und unterstreichen die materielle Präsenz des Papiers.

Stefan Lux, 2024

“....Die fünf Feenfinger. Alle zusammen formen die Hand. Mit den Händen zu denken, ist die wahre Bestimmung des Menschen.”

(Le Livre d’image, Jean Luc Godard, 2018)

Seagull

Mon, 07 Apr 2025 13:18:40 +0200

»In Seagull (2012) hielt der Künstler das fotografische Bild einer Möwe vor die Kamera, das aufgrund verschiedener Ablenkungen mehrfach aus dem Bildfeld rückte, um wieder manuell zentriert zu werden. Genau jene Sequenzen des Rejustierens wurden schließlich ausgewählt und montiert, um ein Bewegtbild zu schaffen, das den Eindruck einer Flugbewegung ohne Flügelschlag suggeriert. Die physische Handlung des Künstlers versetzt zunächst das statische Bild der Möwe in Bewegung. Die Videoaufzeichnung dokumentiert den performativen Akt, in dem sich der Körper des Filmemachers über die Bewegung des Fotos abzeichnet, um diese anschließend mittels Bildmontage in die Illusion einer Bewegung des im Bild Dargestellten zu überführen. Die (reale) Bewegung des Körpers des Künstlers trifft auf die (imaginierte) Bewegung der Möwe. Die dabei entstandenen unruhigen Bilder erscheinen als mediale "Fehlleistung", die aus der Konfrontation nicht nur zweier Bewegungen, sondern zweier Bewegungsmodi resultiert. Einerseits schafft Lux durch im Vorfeld festgelegte Parameter einen konzeptuellen Rahmen, innerhalb dessen seine Bewegungen ausgeführt werden, wobei gerade der Moment des Erkennens und Ausgleichens des eigenen körperlichen Versagens – das Rejustieren des Fotos – zum produktiven Moment wird und die eigentliche Arbeit teilweise konstituiert. Andererseits wird mittels der Montage eine Bewegung konstruiert, die eine als "natürlich" und "unbewusst" verstandene – jene der Möwe – imaginiert. In den bewegten Bildern erscheint dies als Durchkreuzung der "reinen" Bewegung des Künstlers und der repräsentativen der Möwe [7]. Bei Ersterer handelt es sich um eine Bewegung, die ausschließlich für die Kamera produziert wurde und außerhalb der in diesem Kontext festgelegten Parameter ohne jeden Nutzen ist. Zweitere hingegen imaginiert einen zweckorientierten Bewegungsmodus, der sowohl an dokumentarische Filmpraktiken im Kontext der Verhaltensforschung einer spezifischen Vogelart erinnert, als auch an frühe fotografische Bewegungsstudien bei Eadward Muybridge. Die Durchkreuzung erschließt sich allerdings erst im Moment der Rezeption und steht damit in Relation zum/zur Betrachter_in.«

»The basis of those of Lux’s works discussed here derives from more or less intentionally researched images taken from the internet. For Seagull (2012) the artist held a photographic image of a seagull in front of the camera. As a result of various distractions the image repeatedly dropped out of the frame only to be manually re-centred. It was exactly the readjustment sequences that were then chosen and edited together in order to create a moving image that gave the impression of the motion of flight without any actual wing-beats. It is the physical actions of the artist that set the static image of the seagull in motion. The video itself documents the performative act in which the body of the filmmaker is copied into the movement of the photo in order to be subsequently transposed (by editing) into an illusion that imparts movement to what is depicted in the picture. The (real) movement of the artist’s body encounters the (imaginary) movement of the seagull. The resulting restless images appear to consist of technical ‘mistakes’ that are not only the result of the confrontation between two movements but rather of two different movement modi. On the one hand Lux creates a conceptual framework with preset parameters within which his movements are to be carried out. In this context it is exactly the moment of recognising and compensating for physical failures––the readjustment of the photo––that become the productive moment that, in part, constitutes the actual work. On the other hand, movement is constructed by means of editing techniques. Although imaginary, that movement is taken to be the ‘natural’ and ‘unconscious’ movement of the seagull. In the moving images this appears as the ‘thwarted fable’ of the artist’s ‘pure’ movement and the representational movement of the seagull [7]. In the first case we are dealing with motion that has been produced solely for the camera and, outside of the preset parameters of this context, is of no practical import. In contrast, the second case imagines a practically-oriented modus of movement reminiscent of documentary practices in behavioural research into specific types of bird as well as calling to mind the early movement studies carried out by photographer Eadweard Muybridge. However, this intersection can only be grasped at the moment of reception and is thus situated in relation to the viewer.«

Mediale Gesten der Erschöpfung. Zu drei Videoarbeiten von Stefan Lux

Media-Mediated Gestures of Tiredness. Three Video Works by Stefan Lux

Bettina Brunner, 2013

[7] Deleuze, Das Zeit-Bild, S.248

Display

Mon, 07 Apr 2025 13:09:32 +0200

Im Video Display entwickelt Lux ein komplexes, beinahe surreal anmutendes, performatives Zusammenspiel von bewegten, an einer Wand applizierten Gegenständen, Wandprojektionsbildern und Schattenprojektionen. Sämtliche „Akteure“ scheinen miteinander in Beziehung zu stehen: Eine schwingende Muschel etwa bewegt einen Schatten des linken Bildrandes und ein in einer kleinen Bildprojektion schwingendes Pendel scheint ein Resonanzverhältnis zur repetitiven Bewegung der Muschel zu unterhalten. Ein stabähnlicher Gegenstand wiederum versucht, eines bewegten Schattenpunktes habhaft zu werden, hinkt dessen Schwingungsvorgängen aber stets aufgrund einer gewissen Trägheit hinterher. Dergleichen Zusammenhänge scheinen subtil, doch mannigfaltig vorhanden. Das Bildgeviert zeigt eine Zone semantischer und zugleich ästhetischer Unbestimmtheit und Unübersichtlichkeit. Das Bild gibt hier jedoch nicht einfach etwas zu sehen, sondern setzt eine Suchbewegung in Gang. Dieses explorative Moment richtet sich nicht bloß auf die „handelnden“ Gegenstände, sondern auch auf deren Synthese mit den unterschiedlichen Projektionsbildern und deren Zeitlichkeit. Die oftmals asynchronen Wirkungszusammenhänge scheinen dabei alles andere als kontingent oder beliebig, sondern wirken geradezu, als ob ihnen eine zwingende, beinahe maschinische, wenn auch nonlineare Logik zugrunde läge.

David Komary

Auszug aus dem Katalogtext zur Ausstellung Equation with N unknowns von Stefan Lux und Rainer Gamsjäger

Kuratiert von David Komary

Galerie Stadtpark; Krems, 2009

Wind

Mon, 07 Apr 2025 12:20:03 +0200

Wind

6 Minuten

Mon, 07 Apr 2025 11:27:19 +0200

In der Animation 6 Minuten alteriert das Bild zwischen synthetisch-virtuellen und analog aufgezeichneten Bewegungsabläufen einer beobachteten Objektkonfiguration. Man sieht Äste, Bilder von Ästen, die die Figur eines Baumes mimetisch nach- bzw. abzubilden scheinen. Genauer: die Bewegungsabläufe der einzelnen Äste sind der videografischen Vorlage eines "realiter" gefilmten Baumes Bild für Bild nachgebildet. "Reale" und virtuelle Raumlagen erscheinen ineinander verschränkt, stellen rekursiv aufeinander bezogene "Figurationen" bzw. Modalitäten eines aktualen Wahrnehmungsereignisses dar.

In seinen Videoarbeiten und Animationen inszeniert Stefan Lux wissenschaftlich-visuelle Schaubilder in reduktiv-schematischer Darstellung der Gegenstände. Die Videos gleichen visuellen Versuchsanordnungen. Das Kamerabild fungiert jedoch weniger als Abbildungsmedium, sondern ist "Operant" eines ästhetischen Experiments.

Lux decouvriert die verdeckten Bedingungen der Bildkonstruktion und stellt zudem explizit die Frage nach linearer Kausalität als naturwissenschaftliche Konvention. Lineare Kausalität und unbedingte Folgerichtigkeit werden in seinen Arbeiten als historische und ideologische Subroutinen erkennbar.

(David Komary)

darkroom

Wed, 02 Apr 2025 12:00:48 +0200

Mit darkroom vermisst Billy Roisz mehrere stockdunkle Innenräume aus verschiedenen Perspektiven und macht aus einer filmischen Dunkelkammer eine abstrakte Wunderkammer. Ein Knall durchbricht das schwarze Bild. Mit wechselnden Kamera-, Licht- und Mikrofonpositionen blickt die Künstlerin in einen Kinosaal, eine ländliche Lagerhalle und in ein Wohnhaus. Dort treiben die audiovisuellen Apparaturen aus dem off ihr Unwesen. Abstrakte Projektionen erhellen schleierhaft die nächtliche Mise-en-scène und produzieren so beim Betrachter eine gewisse Orientierungslosigkeit. Die erst kurbelt den Reiz der Sinne, ihre unzähligen Interpretationen und ästhetischen Variationen an. Befinden wir uns im Österreichischen Filmmuseum oder auf einer düsteren Showtreppe einer Vorstadtdisco? Für nur wenige Sekunden blitzen Sesselreihen auf oder Stiegenaufgänge. Dann wird der Betrachter schnurstracks und immer wieder von neuem in die Uneindeutigkeit befördert. Sehen wir einen Nussbaum draußen oder doch einen Ficus-Benjamin im Wohnzimmer? Auf das spartanische Inventar in Roisz Filmräumen sind Rastermuster geworfen, die in der Finsternis wenige Details wie etwa eine Badezimmerarmatur oder Deckenrohre preisgeben.

darkroom ist ein fulminantes Spiel, in dem optische Täuschungen von manipulierten realen Schauplätzen ununterscheidbar bleiben. Die Musiker Dieter Kovacic und Peter Kutin haben mit ihrem Soundtrack auf Basis gemischter Raumatmo dem menschenleeren Black Cube ein mysteriöses Eigenleben verschafft. Wie auch in den anderen Arbeiten von Billy Roisz ist hier die Musik untrennbar mit der Bildebene verwoben. Billy Roisz braucht in der Montage keine zusätzlichen Spezialeffekte, Footage oder in der Postproduktion ergänzte Musik um einen minimalistischen Raum maximal ambig zu choreografieren.

darkroom ist ein betörendes Labyrinth aus Bild und Ton, das die Grenzen zwischen Abstraktem und Konkreten sprengt. Das Experiment besticht mehr in seiner Zurückhaltung als ins seiner Monströsität. darkroom befördert eine unendliche Lust im Dunklen zu tappen und legt verschlungene Pfade in die Finsternis, die sich wie ein „Mulholland Drive“ des digitalen Avantgardefilms bestaunen lassen.
(Petra Erdmann)

Close Your Eyes

Wed, 02 Apr 2025 11:48:45 +0200

Rhythmisch vibrierende Töne und Klopfgeräusche führen in Billy Roisz' "Close Your Eyes" vom Schwarzbild in einen mit Jalousien abgedunkelten Raum. Ein Fenster im Positiv- und Negativbild, das auf diesen Raum verweist, lässt bereits zu Beginn seine Funktion als Projektionsfläche hypnotisch, psychedelisch anmutender Bild- und Tonkompositionen erkennen.
Roisz führt gekonnt von diesem Realraum der Anfangssequenz weiter in abstrakte Schwarzweiß-Bilder aus feinen Strichen, die sich im Rhythmus der fragilen Tonspur bewegen, sich zu Strichlinien formieren, um diese Linearität aber sofort wieder zu durchbrechen. Hochfrequente Töne und Kratzgeräusche des Musikers dieb13 und grell aufflackernde Bildformationen überlagern zunehmend diese vertikalen Linien.
Ein schemenhafter Ausschnitt des Fensters führt anfangs immer wieder für einen Augenblick zurück von der Schnelligkeit der abstrakten Bildwelt in jene des privaten Raums. Von dieser wird der Betrachter, begleitet von schrillen Frequenzgeräuschen, verzerrten Bläsertönen und sanften psychedelischen Klängen, in hypnotisch farbenprächtige grafische Bildkompositionen getragen. Im trancehaften Bilderrausch manchmal erkennbar, dann erst bei wiederholter Betrachtung erschließen sich für Momente ein rosa eingefärbtes Bild einer Nilpferdhorde oder Bilder grasender Giraffen.
Gelbgraue, vibrierende Streifen münden in einem schwarzweißen Streifenmuster und stellen eine visuelle Assoziation mit einer Zebraherde her. Stakkatoartig durchbrochene Schwarzkader zeigen abschließend das Fenster und läuten das Ende des rauschhaften Reigens ein: die Rückkehr in den realen Raum.
Billy Roisz, inspiriert von den halluzinogenen Erfahrungen des Malers und Literaten Henri Michaux, gelingt ein faszinierender Trip ins Abstrakte und Absurde und an die Grenzen der eigenen Wahrnehmungsfähigkeit.
(Christa Auderlitzky)

Chiles en Nogada

Wed, 02 Apr 2025 10:55:49 +0200

2009 ist Billy Roisz zusammen mit ihren Freunden und musikalischen Kollegen Angelica Castello, Burkhard Stangl und Dieter Kovacic nach Mexico gereist. Ausgehend von Mexico City, über Michoacán zur Halbinsel Yucatán. Entstanden ist der Film Chiles en Nogada. Ein Reisefilm.

„Chiles en Nogada“ sind ein traditionelles mexikanisches Gericht. Die Farben des Gerichts sind die Farben der mexikanischen Flagge und damit seiner Geschichte: Rot, weiß, grün und umgekehrt. Es ist das Umgekehrte, das Andere, und die Reflexion desselben, das diesen Film von Billy Roisz und ihren Musikern ausmacht und besonders macht.

Ausgehend von der Musik, die vorbereitet auf das was kommen wird, beginnt, wenn aus Linien Räume und aus Farben Welten werden, sogleich der Eintritt in die visuelle Dimension. Das Chaos des Anfangs ist der Beginn der Reise. Über das Rot zum Rosa: die Bilder brennen sich in die Netzhaut ein: Mexico D.F., Hauptstadt, und eine der größten Metropolen der Welt. Es sind diese Bilder und visuellen Erlebnisse, diese zumeist kurzen Eindrücke, primär ohne Geschichte, die das Gerüst einer jeden Reise bilden. Die Geschichte erschließt sich erst über das Wiedererkennen, Erfassen. Kontextualisieren kann der Reisende nur, was er kennt und also wieder erkennt. Der Rest ist Sammlung. Billy Roisz sammelt und erfasst – erfasst das andere mit dem ihr ganz eigenen, künstlerischen System. Sie komponiert visuell und auditiv einen neuen eigenen Zugang zu dem ihr Fremden. Diese Komposition schenkt der Vielfalt die Freiheit. Dem Einzelnen wird die Notwendigkeit der Zuordnung erlassen, ohne dabei verloren im Ausmaß der Geschichte zu sein. Es sind die Standbilder, die der Reflexion den Moment schenken, um sich dann über die Bewegung dem Kontinuum der Zeit und Geschichte erneut zuzuwenden. Aus dem urbanen Moloch geht es schließlich in das Außen. Der Himmel hängt tief über den Bergen. Die Freiheit ist ein Versprechen, das ohne die Entscheidung nicht möglich ist. Antonin Artaud und viele andere haben in Mexiko nach halluzinogenen Substanzen gesucht, um ihren Visionen Bilder zu schenken. Billy Roisz entzerrt das Bild und schafft mit einer Leichtigkeit und einer Lust an der Entscheidung den Übergang von der dritten zur vierten Dimension. Sie gibt dem Trip und der Reise einen Grund. Und Boden. Ganz einfach. Es sind die Linien und auditiven Wellen, die Zeichnungen und assoziativen Momente, die in Chiles en Nogada über die Transparenz das Andere zulassen. Transzendenz. Subjektive Wahrnehmung. Einziges Gesetz. Freiheit.

(Maike Mia Höhne)

(Reise-)Erinnerungen sind subjektiv, zumeist romantisch und unvollständig. Chiles en Nogada wählt so gesehen eine ehrlichere Darstellung des Erlebten. Auf das Atmosphärische beschränkt, vermittelt sich das Reisetagebuch in abstraktem Flimmern. Nur vereinzelt blitzen konkrete, konsequenterweise beinahe klischeehafte Aufnahmen des Reiseziels auf: Das Bunte, die Weite, die Fauna ... Zu den filigran sägenden Noisekulissen von Angélica Castelló, dieb13 und Burkhard Stangl behalten die hypnotischen Störbilder die Oberhand. Es war einmal in Mexiko.

(Diagonale 2011)

Self Acting

Mon, 20 Jan 2025 09:44:56 +0100

Das Video "Self Acting" zeigt Zwischenmomente während des Castings für "American Dream Acting". Die Arbeit vermittelt die Intensität und Härte eines Auswahlprozesses, der über Karrieren entscheidet, die wiederum mit dem kommerziellen Erfolg eines Films verbunden sind, was greifbar und sichtbar wird: Von 1.127 BewerberInnen wurden 65 ausgewählt, 42 sind erschienen, von denen letztlich nur acht zum Enddreh ins Stahl House eingeladen wurden.

(Quelle: http://borjana.net/self-acting/)